Música | forma de arte que utiliza el sonido organizado en el tiempo

Definición de música

La música es un sonido que se ha organizado utilizando el ritmo, la melodía o la armonía. Si alguien golpea cacerolas mientras cocina, hace ruido. Si una persona golpea cacerolas u ollas de forma rítmica, está haciendo un tipo de música simple.

Hay cuatro cosas que la música tiene la mayoría de las veces:

• La música suele tener un tono. Esto significa notas altas y bajas. Las melodías están formadas por notas que suben o bajan o se mantienen en el mismo tono.
• La música suele tener ritmo. El ritmo es la forma en que los sonidos y los silencios musicales se unen en una secuencia. Todas las melodías tienen un ritmo que puede ser pulsado. La música suele tener un ritmo regular.
• La música suele ser dinámica. Es decir, si es tranquila o ruidosa o si está en algún punto intermedio.
• La música suele tener timbre. Se trata de una palabra francesa (se pronuncia: "TAM-br"). El "timbre" de un sonido es la forma en que un sonido es interesante. El tipo de sonido puede ser áspero, suave, seco, cálido o algo más. El timbre es lo que hace que un clarinete suene diferente a un oboe, y lo que hace que la voz de una persona suene diferente a la de otra.

Definiciones

No existe una definición sencilla de la música que abarque todos los casos. Es una forma de arte y las opiniones entran en juego. La música es cualquier cosa que la gente crea que es música. Un enfoque diferente es enumerar las cualidades que debe tener la música, como por ejemplo, un sonido que tenga ritmo, melodía, tono, timbre, etc.

Estos y otros intentos, no captan todos los aspectos de la música, o dejan fuera ejemplos que definitivamente son música. La música es una relación especial compartida entre una persona, su comportamiento y un objeto sonoro.^p10 La experiencia musical y la música, en conjunto, se llaman fenómenos, y la actividad de describir los fenómenos se llama fenomenología.

 

Historia

Incluso en la edad de piedra la gente hacía música. La primera música se hizo probablemente intentando imitar sonidos y ritmos que se producían de forma natural. La música humana puede hacerse eco de estos fenómenos utilizando patrones, repetición y tonalidad. Este tipo de música sigue existiendo hoy en día. Los chamanes a veces imitan los sonidos que se escuchan en la naturaleza. También puede servir de entretenimiento (juegos), o tener usos prácticos, como atraer a los animales cuando cazan.

Algunos animales también pueden utilizar la música. Los pájaros cantores utilizan el canto para proteger su territorio o para atraer a su pareja. Se han visto monos golpeando troncos huecos. Por supuesto, esto también puede servir para defender el territorio.

El primer instrumento musical utilizado por los humanos fue probablemente la voz. La voz humana puede emitir muchos tipos de sonidos diferentes. La laringe (caja de voz) es como un instrumento de viento.

El hueso hioideo neandertal más antiguo que se conoce con la forma humana moderna se encontró en 1983, lo que indica que los neandertales tenían lenguaje, porque el hioides sostiene la caja de la voz en la garganta humana.

Lo más probable es que los primeros instrumentos rítmicos o de percusión consistieran en dar palmas, golpear piedras u otras cosas que sirvieran para mantener un ritmo. Hay hallazgos de este tipo que se remontan al paleolítico. Algunos de ellos son ambiguos, ya que pueden utilizarse tanto como herramienta como instrumento musical.

Las primeras flautas

La flauta más antigua jamás descubierta podría ser la flauta Divje Babe, encontrada en la cueva eslovena Divje Babe I en 1995. No es seguro que se trate realmente de una flauta. El objeto en cuestión es un trozo del fémur de un joven oso de las cavernas, y tiene unos 43.000 años de antigüedad. Sin embargo, si se trata de un instrumento musical o simplemente de un hueso que fue masticado es un debate en curso.

En 2008, los arqueólogos descubrieron una flauta de hueso en la cueva de Hohle Fels, cerca de Ulm (Alemania). La flauta de cinco agujeros tiene una boquilla en forma de V y está hecha de un hueso de ala de buitre. El descubrimiento es el hallazgo más antiguo confirmado de un instrumento musical en la historia. También se encontraron otras flautas en la cueva. Esta flauta se encontró junto a la Venus de Hohle Fels y a poca distancia de la talla humana más antigua conocida. Cuando anunciaron su descubrimiento en 2009, los científicos sugirieron que el hallazgo demostraba que había una tradición musical bien establecida cuando los humanos colonizaron Europa.

Las pipas de madera más antiguas que se conocen fueron descubiertas cerca de Greystones, Irlanda, en 2004. Un pozo revestido de madera contenía un grupo de seis flautas de madera de tejo, de entre 30 y 50 cm de longitud, afiladas en un extremo, pero sin agujeros para los dedos. Es posible que en su día estuvieran atadas entre sí.

En 1986 se encontraron varias flautas de hueso en Jiahu, en la provincia de Henan, China. Datan de unos 6.000 años antes de Cristo. Tienen entre 5 y 8 agujeros cada una y fueron fabricadas con los huesos huecos de un ave, la grulla de corona roja. En el momento del descubrimiento, una de ellas aún se podía tocar. La flauta de hueso toca tanto la escala de cinco o siete notas de Xia Zhi como la de seis notas de Qing Shang del antiguo sistema musical chino.

Tiempos antiguos

No se sabe cómo era la música humana más antigua. Algunas arquitecturas y pinturas tienen miles de años, pero la música antigua no pudo sobrevivir hasta que la gente aprendió a escribirla. La única forma de adivinar sobre la música primitiva es observando pinturas muy antiguas que muestran a personas tocando instrumentos musicales, o encontrando instrumentos en excavaciones arqueológicas (cavar bajo tierra para encontrar cosas antiguas). La pieza musical más antigua que se escribió y que no se ha perdido se descubrió en una tablilla escrita en hurrita, una lengua que se hablaba en el norte de Mesopotamia y sus alrededores (donde está hoy Irak), de aproximadamente el año 1500 a.C.

Edad Media

Otra pieza de música escrita que se conserva es una ronda llamada Sumer Is Icumen In. Fue escrita por un monje alrededor del año 1250. Gran parte de la música de la Edad Media (aproximadamente entre 450 y 1420) era música folclórica interpretada por gente trabajadora que quería cantar o bailar. Cuando la gente tocaba instrumentos, normalmente lo hacía para bailar. Sin embargo, la mayor parte de la música que se escribió fue para la iglesia católica. Esta música se escribía para que los monjes la cantaran en la iglesia. Se llama canto (o canto gregoriano).

Renacimiento

En el Renacimiento (aproximadamente entre 1400 y 1550) había mucha música, y muchos compositores escribieron música que ha sobrevivido para que pueda ser interpretada, tocada o cantada hoy en día. Durante esta época se crearon muchos tipos nuevos de arte y música.

El compositor italiano Giovanni da Palestrina (1525-1594) escribió parte de la música para su uso en los servicios religiosos (música sacra). En la música de Palestrina, muchos cantantes cantan juntos (lo que se denomina coro). También había mucha música no escrita para la iglesia, como la música de baile alegre y las canciones de amor románticas. Entre los instrumentos populares durante el Renacimiento se encontraban las violas (un instrumento de cuerda que se toca con un arco), los laúdes (un instrumento de cuerda pulsada que se parece un poco a una guitarra) y el virginal, un pequeño y silencioso instrumento de teclado.

Barroco

El Barroco (aproximadamente entre 1600 y 1740) fue una época cultural occidental. Hizo hincapié en el dramatismo y el esplendor en la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música. En música, el término "barroco" se aplica al último periodo de dominio del contrapunto imitativo, en el que diferentes voces e instrumentos se hacen eco unos de otros pero a diferentes tonos, a veces invirtiendo el eco, e incluso invirtiendo el material temático.

La popularidad y el éxito del estilo barroco fueron alentados por la Iglesia católica romana, que había decidido en la época del Concilio de Trento que las artes debían comunicar temas religiosos con una implicación directa y emocional. La clase alta también vio el estilo dramático de la arquitectura y el arte barrocos como un medio para impresionar a los visitantes y expresar poder y control triunfantes. Los palacios barrocos se construyen en torno a una entrada de patios, grandes escaleras y salones de recepción de opulencia secuencialmente creciente. Con similar profusión de detalles, el arte, la música, la arquitectura y la literatura se inspiraron mutuamente en el movimiento cultural del Barroco a medida que los artistas exploraban lo que podían crear a partir de patrones repetidos y variados. Algunos rasgos y aspectos de las pinturas barrocas que diferencian este estilo de otros son la abundante cantidad de detalles, la policromía a menudo brillante, los rostros menos realistas de los sujetos y una sensación general de asombro, que era uno de los objetivos del arte barroco.

La palabra barroco deriva probablemente del antiguo sustantivo portugués "barroco", que es una perla que no es redonda sino de forma imprevisible y elaborada. Por ello, en el uso informal, la palabra barroco puede significar simplemente que algo es "elaborado", con muchos detalles, sin hacer referencia a los estilos barrocos de los siglos XVII y XVIII.

Período clásico

En la música occidental, el periodo clásico se refiere a la música de aproximadamente 1750 a 1825. Fue la época de compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Las orquestas se hicieron más grandes y los compositores solían escribir piezas musicales más largas llamadas sinfonías que tenían varias secciones (llamadas movimientos). Algunos movimientos de una sinfonía eran ruidosos y rápidos; otros movimientos eran tranquilos y tristes. La forma de una pieza musical era muy importante en esta época. La música tenía que tener una "forma" agradable. A menudo utilizaban una estructura que se llamaba forma de sonata.

Otro tipo de música importante era el cuarteto de cuerda, que es una pieza musical escrita para dos violines, una viola y un violonchelo. Al igual que las sinfonías, la música para cuarteto de cuerda tenía varias secciones. Haydn, Mozart y Beethoven escribieron cada uno muchos cuartetos de cuerda famosos.

El piano se inventó durante esta época. A los compositores les gustaba el piano, porque podía utilizarse para tocar dinámicas (aumentar o disminuir el volumen). Otros instrumentos populares eran el violín, el violonchelo, la flauta, el clarinete y el oboe.

Período romántico

El siglo XIX se denomina período romántico. Los compositores estaban especialmente interesados en transmitir sus emociones a través de la música. Un instrumento importante del periodo romántico fue el piano. Algunos compositores, como Frédéric Chopin, escribieron piezas para piano suaves, expresivas y tranquilamente emotivas. A menudo la música describía un sentimiento o contaba una historia utilizando sonidos. Otros compositores, como Franz Schubert, escribieron canciones para un cantante y un pianista llamadas Lied (palabra alemana que significa "canción"). Estos Lieder (plural de Lied) contaban historias mediante la letra (palabras) de la canción y los imaginativos acompañamientos de piano. Otros compositores, como Richard Strauss, y Franz Liszt crearon narraciones y contaron historias utilizando sólo la música, lo que se denomina poema tonal. Compositores como Franz Liszt y Johannes Brahms utilizaron el piano para tocar música fuerte, dramática y fuertemente emocional.

Muchos compositores comenzaron a escribir música para orquestas más grandes, con hasta 100 instrumentos. Fue el periodo del "nacionalismo" (el sentimiento de orgullo por el propio país) cuando muchos compositores hicieron música utilizando canciones populares o melodías de su país. Muchos compositores famosos vivieron en esta época, como Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Frederic Chopin, Johannes Brahms, Pyotr Tchaikovsky y Richard Wagner.

Tiempos modernos

A partir de aproximadamente 1900 se denomina "periodo moderno". Muchos compositores del siglo XX querían componer música que sonara diferente de la música clásica y romántica. Los compositores modernos buscaron nuevas ideas, como el uso de nuevos instrumentos, formas diferentes, sonidos distintos o armonías diferentes.

El compositor Arnold Schoenberg (1874-1951) escribió piezas atonales (lo que significa que no suenan en ninguna clave musical clara). Más tarde, Schoenberg inventó un nuevo sistema para escribir música llamado sistema de doce tonos. La música escrita con el sistema de doce tonos suena extraña para algunos, pero es de naturaleza matemática y a menudo sólo tiene sentido tras un estudio cuidadoso. La música de doce tonos pura fue popular entre los académicos en los años cincuenta y sesenta, pero algunos compositores como Benjamin Britten la utilizan hoy en día, cuando es necesario conseguir una determinada sensación.

Uno de los compositores más importantes del siglo XX, Igor Stravinsky (1882-1971), escribió música con acordes (grupos de notas que se tocan juntas) y ritmos muy complicados (difíciles). Algunos compositores pensaron que la música se estaba volviendo demasiado complicada y por eso escribieron piezas minimalistas que utilizan ideas muy simples. En las décadas de 1950 y 1960, compositores como Karlheinz Stockhausen experimentaron con la música electrónica, utilizando circuitos electrónicos, amplificadores y altavoces. En los años 70, los compositores comenzaron a utilizar sintetizadores electrónicos e instrumentos musicales procedentes de la música rock and roll, como la guitarra eléctrica. Utilizaron estos nuevos instrumentos para crear nuevos sonidos.

Los compositores que escriben en los años 90 y 2000, como John Adams (nacido en 1947) y James MacMillan (nacido en 1959), suelen utilizar una mezcla de todas estas ideas, pero también les gusta escribir música tonal con melodías fáciles.

Música electrónica

La música puede producirse electrónicamente. Lo más habitual es que lo hagan los ordenadores, los teclados, las guitarras eléctricas y las mesas de discos. Pueden imitar a los instrumentos tradicionales y también producir sonidos muy diferentes. La música electrónica del siglo XXI se realiza habitualmente con programas informáticos y mezcladores de hardware.

Jazz

El jazz es un tipo de música que se inventó alrededor de 1900 en Nueva Orleans, en el sur de Estados Unidos. Allí vivían muchos músicos negros que tocaban un estilo de música llamado música blues. La música blues estaba influenciada por la música africana (porque los negros de Estados Unidos habían llegado a este país como esclavos. Fueron sacados de África a la fuerza). La música blues era una música que se tocaba cantando, utilizando la armónica o la guitarra acústica. Muchas canciones de blues tenían letras tristes sobre emociones (sentimientos) o experiencias tristes, como la pérdida de un trabajo, la muerte de un familiar o tener que ir a la cárcel (prisión).

La música de jazz mezclaba la música de blues con la europea. Algunos compositores negros, como Scott Joplin, escribían una música llamada ragtime, que tenía un ritmo muy diferente al de la música europea estándar, pero que utilizaba notas similares a las de la música europea. El ragtime tuvo una gran influencia en el jazz primitivo, llamado jazz Dixieland. Los músicos de jazz utilizaban instrumentos como la trompeta, el saxofón y el clarinete para las melodías, la batería para la percusión y el contrabajo punteado, el piano, el banjo y la guitarra para el ritmo de fondo (sección rítmica). El jazz suele ser improvisado: los músicos se inventan la música mientras tocan. Aunque los músicos de jazz se inventen la música, la música de jazz sigue teniendo reglas; los músicos tocan una serie de acordes (grupos de notas) en orden.

La música de jazz tiene un ritmo de swing. La palabra "swing" es difícil de explicar. Para que un ritmo sea un "ritmo de swing" tiene que sentirse natural y relajado. El ritmo de swing no es ni siquiera como una marcha. Hay una sensación de largo-corto en lugar de una sensación de lo mismo. Un "ritmo de swing" también hace que las personas que lo escuchan se emocionen, porque les gusta su sonido. Algunas personas dicen que un "ritmo de swing" se produce cuando todos los músicos de jazz empiezan a sentir el mismo pulso y energía de la canción. Si una banda de jazz toca muy bien junta, la gente dirá "esa es una banda de jazz con swing" o "esa banda realmente hace swing".

El jazz influyó en otros tipos de música como la música artística occidental de los años 20 y 30. Compositores de música artística como George Gershwin escribieron música influenciada por el jazz. La música de jazz influyó en las canciones de la música pop. En los años 30 y 40, muchas canciones de música pop empezaron a utilizar acordes o melodías de canciones de jazz. Uno de los músicos de jazz más conocidos fue Louis Armstrong (1900-1971).

Música pop

La música "pop" es un tipo de música popular que a mucha gente le gusta escuchar. El término "música pop" puede utilizarse para todo tipo de música que se escribió para ser popular. La palabra "música pop" se utilizó a partir de 1880, aproximadamente, cuando se popularizó un tipo de música llamado música.

La música pop moderna surgió a partir del rock and roll de los años 50, (por ejemplo Chuck Berry, Bo Diddley y Little Richard) y del rockabilly (por ejemplo Elvis Presley y Buddy Holly). En la década de 1960, los Beatles se convirtieron en un famoso grupo de música pop. En los años 70, otros estilos musicales se mezclaron con la música pop, como el funk y el soul. La música pop suele tener un ritmo pesado (fuerte), por lo que es buena para bailar. Los cantantes de pop suelen cantar con micrófonos que se conectan a un amplificador y a un altavoz.

 
La flauta Divje Babe  


Músicos de Amón, tumba de Nakht, dinastía XVIII, Tebas occidental  

Notación musical

La "notación musical" es la forma en que se escribe la música. La música necesita ser escrita para ser guardada y recordada para futuras interpretaciones. De este modo, los compositores (las personas que escriben música) pueden indicar a otros cómo tocar la pieza musical tal y como fue concebida.

Solfège

El solfeo (a veces llamado solfa) es la forma de nombrar los tonos. Se hizo con el fin de dar un nombre a los distintos tonos y afinaciones. Por ejemplo, las ocho notas básicas "Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti, Do" son sólo los nombres de las ocho notas que confirman la escala mayor.

Música escrita

La música puede escribirse de varias maneras. Cuando se escribe en un pentagrama (como en el ejemplo mostrado), los tonos (tones) y su duración se representan con símbolos llamados notas. Las notas se colocan en las líneas y en los espacios entre las líneas. Cada posición indica qué tono debe tocarse. Cuanto más alta esté la nota en el pentagrama, más alto será el tono. Cuanto más bajas estén las notas, más bajo será el tono. La duración de las notas (durante cuánto tiempo se tocan) se muestra haciendo que las "cabezas" de las notas sean blancas o negras, y dándoles plicas y banderas.

La música también puede escribirse con letras, nombrándolas como en el solfeo "Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti, Do" o representándolas mediante letras. La siguiente tabla muestra cómo se representa cada nota del solfeo en la notación estándar:

Nombre de Solfa	Notación estándar
Haga	C
Re	D
Mi	E
Fa	F
Así que	G
La	A
Ti	B

La Notación Estándar se hizo para simplificar la lectura de las notas musicales, aunque se utiliza sobre todo para representar los acordes y los nombres de las escalas musicales.

Estas formas de representar la música facilitan la lectura de la misma. Hay más formas de escribir y representar la música, pero son menos conocidas y pueden ser más complicadas.

 
Mozart : Primer movimiento de la sonata para piano K545 - un ejemplo de escritura musical en pentagramas  

Cómo disfrutar de la música

Escuchando

La gente puede disfrutar de la música escuchándola. Pueden ir a conciertos para escuchar la actuación de los músicos. La música clásica suele interpretarse en salas de conciertos, pero a veces se organizan grandes festivales en los que se interpreta al aire libre, en un campo o estadio, como los festivales de pop. La gente puede escuchar música en CD, ordenadores, iPods, televisión, la radio, reproductores de casetes/grabaciones e incluso teléfonos móviles.

Hay tanta música hoy en día, en ascensores, centros comerciales y tiendas, que a menudo se convierte en un sonido de fondo que no escuchamos realmente.

Tocando o cantando

La gente puede aprender a tocar un instrumento. Probablemente los más comunes para los principiantes completos son el piano o el teclado, la guitarra o la flauta dulce (que es ciertamente la más barata de comprar). Una vez que hayan aprendido a tocar escalas, a tocar melodías sencillas y a leer la notación musical más simple, entonces podrán pensar en qué instrumento seguirán desarrollando. Deben elegir un instrumento que sea práctico para su tamaño. Por ejemplo, un niño muy bajo no puede tocar un contrabajo de tamaño normal, porque el contrabajo mide más de metro y medio. Deben elegir un instrumento que disfruten tocando, porque tocar con regularidad es la única manera de mejorar. Por último, ayuda tener un buen profesor.

Al componer

Cualquiera puede componer sus propias piezas musicales. No es difícil componer canciones o melodías sencillas (melodías). Es más fácil para las personas que saben tocar un instrumento por sí mismas. Lo único que hace falta es experimentar con los sonidos que produce un instrumento. Alguien puede inventar una pieza que cuente una historia, o simplemente encontrar una melodía agradable y pensar en las formas en que se puede cambiar cada vez que se repita. El instrumento puede ser la propia voz de alguien.

El hecho es que hay toneladas de instrumentos en el mundo.

 

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