Italiano temprano
- Uccello, San Jorge y el Dragón, c.1450, Florencia
La historia de este cuadro es una leyenda cristiana sobre un dragón que ha robado a una princesa. La princesa encantó al dragón y lo ató con su cinturón, pero no pudo escapar. El noble Jorge vino a rescatarla y mató al dragón. Hay muchos cuadros de San Jorge en la National Gallery porque es el patrón de Inglaterra. Uccello ha intentado mostrar la perspectiva del paisaje disponiendo zonas claras y oscuras en el suelo. Las líneas diagonales son importantes en este cuadro. La línea hecha por el ala y la pata del dragón van en la misma dirección que la lanza de Jorge, mientras que el cuerpo y la cola van en la dirección opuesta.
- Piero della Francesca, El Bautismo de Cristo, c.1450, Umbría
- Mantegna, La Agonía en el Huerto, 1460, Mantua
- Pollaiuolo, El martirio de San Sebastián, 1475, Florencia
La historia de este cuadro procede de la mitología romana. Marte, el dios de la guerra, ha estado haciendo el amor con Venus, la diosa del amor. Está tan cansado que no se da cuenta de que los pequeños faunos están jugando con sus armas. Pero uno de ellos está a punto de soplar una gran concha en su oído. El mensaje de este cuadro es que el amor puede vencer a la guerra. El diseño se basa en una gran W. que hace que el cuadro sea simétrico. Botticelli lo hizo para el dormitorio de Giuliano de'Medici, un noble rico de Florencia. Pintó a Marte para que se pareciera a Giuliano y a Venus para que se pareciera a su novia, pero Giuliano no tuvo mucho tiempo para disfrutar de sus pinturas, ya que fue asesinado poco tiempo después.
La pintura de los primeros años del norte de Europa
El Díptico de Wilton es uno de los cuadros más preciados de la National Gallery, ya que la mayoría de las pequeñas obras de arte de la Edad Media en Inglaterra fueron destruidas. Este cuadro muestra al rey Ricardo II de Inglaterra siendo presentado a la Virgen María por sus tres santos patronos. Está pintado al temple; los colores están mezclados con huevo. La palabra "díptico" significa que está dividido en dos partes y puede cerrarse como un libro. El fondo está cubierto de pan de oro finamente batido. El azul está hecho de piedra semipreciosa molida, lapislázuli. Es posible que haya sido pintado como regalo de bodas para el rey durante su estancia en Francia.
- Jan van Eyck, La boda de Arnolfini, 1434, Bélgica
- Hans Memling, Virgen y Niño con santos y donantes, 1477, Brujas
- Rogier van der Weyden, Piedad, c.1460, Bruselas
- Hieronymous Bosch, El escarnio de Cristo, c.1480, Bois-le-Duc
- Albrecht Durer, El padre del pintor, 1497, Nuremberg
Este cuadro es un retablo para una iglesia. Muestra a la Virgen María sentada como una reina en un trono con el Niño Jesús. Le adoran tres santas y el hombre que ha pagado al artista para que haga el cuadro para la iglesia. Se le llama el "donante". Todo lo que aparece en el cuadro ha sido pintado con gran detalle, la ropa, los azulejos, las joyas, los edificios y las flores. Muchas de las cosas que aparecen en el cuadro son símbolos. El perrito es el símbolo de la fidelidad. Los lirios son el símbolo de la pureza de la Virgen María. El cuadro no muestra parte de una historia o un momento en el tiempo. El cuadro ha sido pintado para ayudar al espectador a calmar la mente para la oración.
- Lucas Cranach, Cupido picado por una abeja, 1522, Weimer
- Hans Holbein, Los embajadores, 1533, nacido en Augsburgo y fallecido en Londres. Véase más abajo.
- Pieter Breughel el Viejo, La Adoración de los Reyes, 1564, Bruselas
Italia en el siglo XVI
- Leonardo da Vinci, La Virgen de las Rocas, c.1506, Milán. Véase más abajo.
- Miguel Ángel, El entierro de Cristo, c.1506, Roma. Véase más abajo.
- Rafael, La Madonna Ansidei, c.1505,
- Giorgione, Adoración de los Reyes, 1507, Venecia
Esta imagen procede de la mitología griega. La princesa Ariadna ha naufragado en Naxos, la isla de Baco. Baco ve a Ariadna y se enamora a primera vista. Tiziano le muestra saltando de su carro tirado por guepardos, mientras Ariadna se da la vuelta para huir. Pero Ariadna ha mirado a los ojos de Baco y también se ha enamorado. En el cielo está la corona de estrellas que Baco le regaló en su boda. Tiziano ha pintado un movimiento en espiral en muchas de las figuras. Se puede ver en el pañuelo rojo de Ariadna. Aunque este cuadro trata de mitología, las figuras son muy realistas.
- Lorenzo Lotto, La dama como Lucrecia, 1530, Venecia
Este retrato muestra a una mujer con un vestido de terciopelo ricamente coloreado, sosteniendo un dibujo de Lucrecia, una mujer noble de la Antigua Roma que se suicidó apuñalándose después de haber sido violada. El cuadro puede haber sido realizado para una familia que quería que su hija se casara bien. El simbolismo del cuadro muestra, en primer lugar, que la joven es rica y, en segundo lugar, que es sexualmente pura. Estas dos cosas eran importantes para conseguir un buen matrimonio. Lotto ha utilizado el contraste de colores en el vestido naranja y verde para conseguir un efecto de riqueza. También ha hecho un uso inusual en el contraste de tono. Las zonas muy claras, como el rostro, el pecho y la mano, controlan el centro del cuadro. Otras tres zonas muy claras se sitúan a la derecha, el dibujo, la mano y el billete. Esta disposición es asimétrica
Italia, Francia y España en el siglo XVII
Este cuadro está basado en una historia de la Biblia. Dos de los seguidores de Jesús caminaban por el camino de Emaús, hablando con tristeza sobre la muerte de Jesús. Un hombre se acercó y caminó con ellos, pero al principio no lo conocieron. Esa noche, cenando en una posada, supieron de repente que era Jesús, que había resucitado de entre los muertos y que ahora estaba vivo. Caravaggio ha mostrado este momento en el tiempo como si fuera una fotografía. Lo que hace que este cuadro parezca tan real es la luz, el movimiento y los detalles. Caravaggio ha pintado la luz que viene de un lado como si hubiera una gran lámpara. La cabeza del posadero hace una sombra detrás de Jesús que es como un halo. El cuadro ha captado un solo segundo en el que Jesús ha levantado la mano, uno de los hombres empieza a levantarse y el otro extiende los brazos. Sólo el posadero está quieto. La vista de la mano de Jesús, los brazos del hombre y el codo del otro hombre están en escorzo. Los detalles muestran a personas corrientes con ropas corrientes, viejas y rotas. También hay un bodegón de la cesta en el borde de la mesa. La iluminación y el realismo de Caravaggio fueron copiados por muchos otros pintores, como Rembrandt y Velázquez.
- El Greco, Cristo expulsando a los mercaderes del Templo, c.1600, Toledo
- Annibale Carracci, ¿Quo vadis? 1602, Roma
- Claude Le Lorrain, Salida de la reina de Saba, 1648, Francia y Roma
Este paisaje imaginario está basado en una historia de la Biblia. En esta escena, la reina de Saba emprende su viaje de África a Palestina para encontrarse con el rey Salomón. Pero lo que el artista realmente quería mostrar era la luz brumosa de la mañana del amanecer sobre el mar. También ha pintado tres tipos diferentes de edificios. A la izquierda hay una ruina antigua como las que el artista vio en Roma. Al fondo hay un castillo y una torre de la Edad Media. A la izquierda, la reina sale de un gran palacio del nuevo estilo del Renacimiento. Nada en este cuadro tiene que ver con África o Palestina. Se trata de Roma. Al mostrar a la Reina de Saba, Poussin está diciendo que la ciudad de Roma, con toda su historia durante 2000 años, es como la Reina más bella e inteligente que jamás haya existido. Este tipo de pintura se llama "alegoría".
Este cuadro es una escena de la mitología romana. Las mujeres son ninfas, los espíritus del bosque. Algunos de los hombres son sátiros y tienen cuernos y pezuñas de cabra. Viven en Naxos, la isla de Baco, y pasan mucho tiempo emborrachándose, bailando y haciendo el amor. En esta fiesta salvaje, hasta los bebés beben vino. Una ninfa está a punto de romper una jarra de vino en la cabeza de un sátiro, que intenta besar a su amiga. Poussin ha utilizado grandes áreas de color brillante. A primera vista, el cuadro parece un revoltijo de cuerpos, pero todo está cuidadosamente dispuesto para dar un efecto de danza al conjunto. Una gran forma triangular contiene todas las figuras. Fuera del triángulo, a la derecha, hay una estatua de Pan. En el lado izquierdo hay un hermoso paisaje.
- Diego Velázquez, La Venus de Rokeby, 1649, Madrid.
Esta imagen está tomada de la mitología romana. Muestra a Venus, diosa del amor y la belleza, mirándose en un espejo sostenido por su hijo Cupido. Velázquez dedicó la mayor parte de su tiempo a pintar retratos para la Familia Real de España y sus familiares. Es uno de los retratistas más famosos de todos los tiempos. Pero este cuadro lo hizo probablemente para sí mismo, y cuando lo hizo, se puso en peligro de sufrir un grave castigo. En España, aunque el Rey gobernaba, la Iglesia tenía el control. Vigilaban todo lo que hacía todo el mundo, y hacían que un gran número de personas fueran condenadas a muerte. En España estaba prohibido pintar desnudos como éste. Velázquez ha tenido mucho cuidado de mostrar sólo su espalda. La imagen del rostro no es muy clara. Los espejos antiguos no eran tan claros como los modernos. Quizá Velázquez quiso disimular el rostro de la mujer para protegerla. La disposición y el colorido de este cuadro son muy sencillos. Las elegantes líneas del cuerpo se repiten en las mantas grises y blancas de la cama. La cortina roja está en el mismo ángulo que su cabeza, y es de un color cálido, como su carne rosada.
- Murillo, Las dos Trinidades, 1681, Sevilla
Holanda y Flandes en los años 1600
- Gerrit von Honthorst, Cristo ante el Sumo Sacerdote, 1617, Utrecht
- Rembrandt, El festín de Belsasar, década de 1630, Leyden
Rembrandt es más conocido como pintor de retratos, en particular por los numerosos autorretratos que registran su vida desde que era un adolescente hasta su vejez. También pintó muchas escenas de la Biblia, como ésta. El padre del príncipe Belsasar había llevado al pueblo judío a Babilonia como esclavos. Belsasar estaba dando una fiesta y mandó a unos sirvientes a traer las copas de oro que habían sido robadas del Templo de Jerusalén. De repente, una mano extraña apareció y escribió un mensaje en la pared. Nadie sabía lo que significaba, así que Balsasar preguntó a Daniel, que era un profeta judío. Daniel dijo: "Has sido pesado y medido por Dios. No cumples las reglas de Dios. Tus días están contados". Este cuadro demuestra lo mucho que los pintores holandeses aprendieron de Caravaggio. Este cuadro puede compararse con la Cena de Emaús. Es otra escena llena de dramatismo. Rembrandt ha colocado dos de las figuras en ángulos inusuales. El cuerpo de Belsasar está de cara al espectador, pero su cabeza está girada para ver lo que ocurre detrás de él. Al levantarse de su silla, golpea la copa de oro que sostiene una de sus esposas. Ella también está en un ángulo extraño porque el espectador mira su cabeza y sus hombros. Rembrandt ha hecho un contraste entre la rica textura de su túnica y su rostro flácido y su vientre gordo.
- Anthony van Dyck, Carlos I de Inglaterra a caballo, 1631, Londres. Véase más abajo.
- Peter Paul Rubens, El juicio de París, 1632, Amberes
Rubens fue un pintor tan popular que se hizo rico y famoso. Pintó retratos y muchas escenas de la Biblia y la mitología. La historia de este cuadro procede de la mitología griega y romana. Paris era un príncipe criado por un pastor. Le dieron una manzana de oro y le pidieron que juzgara un concurso de belleza entre tres diosas: Juno, la diosa de la familia; Minerva, la diosa de la guerra y Venus, la diosa del amor. Cada una ofrecía una recompensa: riqueza, éxito en la batalla y la mujer más bella del mundo como esposa. Paris eligió la última y entregó la manzana a Venus. Esto hizo enfadar a dos personas muy poderosas. Y lo que no sabía era que la mujer más bella del mundo, Helena de Troya, ya estaba casada. Rubens ha pintado un cuadro para decorar la pared de la casa de un rico mecenas. El cuadro tiene muchos detalles que ayudan a contar la historia. Entre ellos, el pequeño Cupido, un perro pastor, el pavo real de Juno, el temible escudo de Minerva y las ovejas que pastan en el hermoso paisaje. Pero lo más importante del cuadro son los tres hermosos desnudos. Esto fue lo que hizo que los cuadros de Rubén fueran tan populares.
- Franz Hals, Grupo familiar, década de 1640, Amberes
- Pieter der Hoogh, Patio en Delft, 1658, Delft. Véase más abajo.
- Johannes Vermeer, Joven ante las vírgenes, c.1670, Delft. Véase más abajo.
- Meyndert Hobbema, La Avenida, 1689, Middelharnis
La pintura de paisaje se hizo muy popular en Holanda en la década de 1600. En este cuadro la perspectiva es muy importante. En un país muy llano, puede ser difícil juzgar la distancia de las cosas. Hobbema ha utilizado este camino recto con dos filas de árboles altos para dar la sensación de que el pueblo está muy lejos. A primera vista, este cuadro parece bastante simétrico. Pero Hobbema ha añadido muchas diferencias para hacer el cuadro más interesante, equilibrando una granja en un lado con una iglesia en el otro y haciendo que las dos hileras de árboles sean bastante diferentes.
Los años 1700
- Watteau, Los amantes, c.1720, Francia
- Giambattista Pittoni ,El sacrificio de Polixena, 1740, Venecia
- Canaletto, La cuenca de San Marcos el día de la Ascensión, c.1740, Venecia
- Chardin, El pequeño maestro, c.1740, París. Véase más abajo.
- William Hogarth, Marriage a la Mode (una historia en seis cuadros), 1743, Londres
- George Stubbs, Una familia en su Faetón, c.1750, Inglaterra
En el siglo XVIII, los cuadros de paisajes eran muy populares en Inglaterra, pero eran algo más que simples imágenes de la hermosa campiña pintadas como decoración de una habitación. La mayoría de los cuadros de paisajes eran también registros de una familia y de las tierras que poseían. Eran un signo de la riqueza y el estatus de la familia. En este cuadro, los terratenientes muestran su parque privado con su variedad de árboles. También muestran su espléndida pareja de caballos y su elegante carruaje llamado "faetón". Juntos, este carruaje y los caballos son el equivalente del siglo XVIII a un coche muy caro. Stubbs fue más famoso por pintar caballos. Era un maestro en la composición de bellos cuadros. En este caso, ha creado un equilibrio entre el gran sombrero de moda de la dama contra el árbol oscuro y los caballos negros contra el cielo pálido.
- Tiepolo, Alegoría del amor y del tiempo, 1754, Italia
- Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londres
- Thomas Gainsborough, El paseo de la mañana, 1786, Londres
- Goya, El Duque de Wellington, 1812, España y Francia
A partir de 1800
Este es un cuadro triste. Su nombre completo es The Fighting Temeraire tugged to her last Berth to be broken as scrap. Este es el último viaje de uno de los grandes buques de guerra que luchó por Inglaterra contra la flota francesa en la batalla de Trafalgar. Su forma alta y elegante contrasta con el remolcador negro y sucio con la chimenea que lo remolca. Turner, que era experto en pintar el mar, el cielo y el tiempo, ha colocado la luna en el cielo cerca del velero. La luna está en su última fase. En el otro lado del cuadro, el sol sale con un brillo rojo como el fuego sobre el agua. La luna menguante es el símbolo del paso de la era de los grandes veleros. El sol resplandeciente sobre el agua es el símbolo de la nueva era de la máquina de vapor.
- Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
- Ingres, Madame Moitessier, 1856, París
- Courbet, Mujeres en la orilla del Sena, 1857, Francia
- Henri Fantin-Latour, Manzanas en un plato, 1861, Francia
Este cuadro es un bodegón. En el Renacimiento, las tallas de bodegones solían formar parte de la decoración en madera de las habitaciones importantes de un palacio. En los años 1600 y 1700, los cuadros de naturalezas muertas también se hicieron comunes y se veían con más frecuencia en el comedor, donde la fruta, las flores y los animales que se habían matado para la carne eran la decoración de moda. En el siglo XIX, muchos artistas, como Fantin-Latour, pintaron pequeñas naturalezas muertas como ésta para practicar su destreza en la organización de un cuadro, en el estudio de la luz y en el estudio de la textura. Muchos artistas también pintaban bodegones porque eran demasiado pobres para pagar un modelo de artista, o el tiempo era demasiado malo para pintar paisajes. Fantin-Latour realizó un gran número de pequeños cuadros como éste. Ha dispuesto cuatro manzanas de diferentes colores y formas y ha hecho un estudio de cómo se ve la luz en sus superficies curvas.
Seurat era amigo de los pintores impresionistas franceses. Tenía la teoría de que todo el color estaba compuesto por un montón de colores que se ordenaban al pasar la luz por el ojo. Experimentó con el color pintando en pequeños puntos. Su estilo de pintura se llama puntillismo. Este gran cuadro le llevó mucho tiempo. Aunque se trata de una escena al aire libre con muchas figuras, está muy quieto, como si el tiempo se hubiera detenido. Cuando se observa el cuadro de cerca, se puede ver que incluso las partes que parecen blancas o negras están formadas por cientos de pequeños puntos de color.
- Vincent van Gogh, Paisaje con pino ciprés, c.1890, Francia
Vincent van Gogh tuvo una vida difícil y problemática. Nació en Holanda pero se fue a pintar a Francia. Tenía muy pocos amigos y le costaba vender sus cuadros. Por suerte, contó con el apoyo de su hermano Theo y de un médico para el que pintaba cuadros. Este paisaje es un buen ejemplo de su estilo. En el cuadro, todo parece tener vida propia. Las nubes son como grandes bestias que ruedan por el cielo, el grano ondulado se extiende como manos, las montañas retumban y el pino ciprés parece bastante peligroso. Vincent utilizó cada pincelada para ayudar a crear este movimiento similar al de las llamas. Otra cosa importante en este cuadro es el contraste. Los colores cambian de un cálido naranja rojizo a un azul hielo. El gran árbol oscuro de la derecha contrasta con las nubes blancas. La dirección vertical del árbol contrasta con la dirección horizontal del paisaje. En 1890, Vincent se quitó la vida después de pintar cientos de cuadros en sólo cinco años.
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