Arte helenístico | desde el 400 a.C. hasta finales del siglo I a.C.

Arquitectura

Una de las cosas que hizo que la época helenística fuera diferente de otras épocas fue la división del país de Alejandro Magno en partes más pequeñas. En cada parte había una familia de líderes. Los ptolomeos tenían Egipto; los seléucidas, Mesopotamia; los atlantes, Pérgamo, y otros líderes tenían otras partes. Cada familia de líderes daba dinero para el arte de una manera diferente a como lo hacían las ciudades-estado. Hicieron grandes ciudades y complejos grupos de edificios de una forma que la mayoría de las ciudades-estado ya habían dejado de hacer en el año 500 a.C. Esta forma de hacer edificios era nueva para Grecia. Esta forma no consistía en intentar cambiar o arreglar un lugar natural, sino en hacer que los edificios se ajustaran al lugar natural. Había muchos lugares para el placer, por ejemplo muchos teatros y lugares para pasear. Los países helenísticos tuvieron suerte porque disponían de mucho espacio vacío donde podían hacer grandes ciudades nuevas. Algunas de sus nuevas ciudades fueron Antioquía, Pérgamo y Seleucia en el Tigris.

Pérgamo es un muy buen ejemplo de arquitectura helenística. Comenzó con una simple fortaleza en la Acrópolis (una roca muy grande). Diferentes reyes áticos la fueron ampliando y formaron un enorme conjunto de edificios. Los edificios se extienden desde la Acrópolis en muchas direcciones, utilizando la forma natural de esa parte de la tierra. El ágora, en el sur, en el nivel más bajo, tiene galerías a lo largo de sus lados, con stoai (hermosas cosas altas de piedra para sostener el techo.) El ágora es el comienzo de una calle que atraviesa toda la Acrópolis. En el este y en la parte superior de la roca se encuentran los edificios de los organizadores, los dirigentes y los soldados. En el lado oeste, en un nivel medio, están los edificios religiosos. Uno de los más grandes es el del Altar de Pérgamo que se llama "de los dioses y de los gigantes" y es una de las piezas más bellas de la escultura griega. Un teatro muy grande tiene bancos extendidos por los lados de la colina, para que la gente se siente, y tiene capacidad para casi 10.000 personas.

En aquella época les gustaba hacer cosas muy grandes. El segundo templo de Apolo en Didyma era así. Estaba a veinte kilómetros de Mileto, en Jonia. Dafnis de Mileto hizo el diseño para él a finales del siglo IV a.C. (alrededor del 300 a.C.) pero nunca se terminó. Se siguió construyendo hasta el siglo II d.C. (pasado el año 100). El santuario (parte especial del templo) es uno de los más grandes jamás realizados cerca del Mediterráneo. Dentro de una sala muy grande, la cella tiene dos filas de columnas (cosas altas y redondas) alrededor. Las columnas son del tipo jónico, de casi 20 metros de altura, con mucho y complejo arte en piedra en las bases y en la parte superior.

 
Altar de Pérgamo, Museo de Pérgamo, Berlín  

Escultura

La escultura helenística incluye retratos que muestran cosas como el sufrimiento, el sueño o la vejez.

Atalo I (269-197 a.C.), para conmemorar su victoria en Caicus contra los galos -llamados gálatas por los griegos- hizo esculpir dos series de grupos votivos: el primero, consagrado en la Acrópolis de Pérgamo, incluye al famoso galo matándose a sí mismo y a su esposa, del que se ha perdido el original (la mejor copia se encuentra en el museo Massimo alle Terme de Roma, véase la ilustración); el segundo grupo, ofrecido a Atenas, está compuesto por pequeños bronces de griegos, amazonas, dioses y gigantes, persas y galos. La Artemisa Rospigliosi del Louvre es probablemente una copia de uno de ellos; en cuanto a las copias del Galo Moribundo, eran muy numerosas en la época romana. La expresión de los sentimientos, la contundencia de los detalles -el pelo y los bigotes tupidos aquí- y la violencia de los movimientos son característicos del estilo pergamino.

Estas características alcanzan su máxima expresión en los frisos del Gran Altar de Pérgamo, decorado por orden de Eumenes II (197-159 a.C.) con una gigantomaquia de 110 metros de longitud que ilustra en la piedra un poema compuesto especialmente para la corte. Los olímpicos triunfan en ella, cada uno por su lado, sobre los gigantes, la mayoría de los cuales se transforman en bestias salvajes: serpientes, aves de rapiña, leones o toros. Su madre Gea, que acude en su ayuda, no puede hacer nada y debe ver cómo se retuercen de dolor bajo los golpes de los dioses.

En la escultura helenística aparece otro fenómeno: la privatización, que supone la recuperación de antiguos patrones públicos en la escultura decorativa. Este tipo de estilo retrospectivo también existe en la cerámica. En cuanto a los retratos, están teñidos de naturalismo, bajo la influencia del arte romano.

 
Fauno Barberini, copia en mármol de un original en bronce, alrededor del año 200 a.C., La Gliptoteca, Múnich  

Pinturas y mosaicos

Pocas pinturas murales griegas han sobrevivido a los siglos. Sin embargo, podemos estudiar las influencias helenísticas en los frescos romanos, por ejemplo los de Pompeya o Herculano. Ciertos mosaicos proporcionan una idea bastante buena de la "gran pintura" de la época: son copias de frescos. Un ejemplo es el mosaico de Alejandro, que muestra el enfrentamiento del joven conquistador y el gran rey Darío III en la batalla de Issus, un mosaico que adorna las paredes de la Casa del Fauno de Pompeya. Se cree que es una copia de una obra descrita por Plinio el Viejo (XXXV, 110) que había sido pintada por Filoxeno de Eretria para el rey Casandro de Macedonia a finales del siglo IV a.C. El mosaico permite admirar la elección de los colores, la composición del conjunto con el movimiento de giro y la expresividad del rostro.

Los descubrimientos arqueológicos en el cementerio de Pagasae (cerca del actual Volos), al borde del Golfo Pagásico, o también en Vergina (1987), en el antiguo reino de Macedonia, han sacado a la luz algunas obras originales. Por ejemplo, la tumba que se dice que es la de Filipo II ha proporcionado un gran friso que representa una cacería real de leones, notable por su composición, la disposición de las figuras en el espacio y su representación realista de la naturaleza.

El periodo helenístico es igualmente la época de desarrollo del mosaico, en particular con las obras de Sosos de Pérgamo, activo en el siglo II a.C. y único artista del mosaico citado por Plinio (XXXVI, 184). Su gusto por el trompe l'oeil (ilusión óptica) y los efectos del medio se encuentran en varias obras que se le atribuyen, como el "Suelo sin barrer" del museo Vaticano, que representa las sobras de un festín (espinas de pescado, huesos, conchas vacías, etc.) y la "Pila de las palomas" del museo Capitolino, conocida gracias a una reproducción descubierta en la Villa de Adriano. En ella se ven cuatro palomas posadas en el borde de una pila llena de agua. Una de ellas se está regando mientras las otras parecen estar descansando, lo que crea efectos de reflejos y sombras perfectamente estudiados por el artista.

 
El mosaico de Alejandro, de la Casa del Fauno, Pompeya, ahora en el Museo Arqueológico Nacional, Nápoles  

Cerámica

El periodo helenístico es el del declive de la pintura en los vasos. Los vasos más comunes son negros y uniformes, con un aspecto brillante que se aproxima al del barniz, decorados con sencillos motivos de flores o festones. Es también el periodo en el que aparecen los vasos en relieve, sin duda a imitación de los vasos fabricados con metales preciosos: se aplicaban coronas en relieve en el cuerpo del vaso, o también el que se muestra aquí recibía vetas o gallardetes. También se encuentran relieves más complejos, basados en animales o criaturas legendarias. Las formas de los jarrones también se inspiran en la tradición del metal: así ocurre con el lagynos (aquí fotografiado), una jarra de vino típica de la época.

Paralelamente subsistía una tradición de pintura figurativa policromática: los artistas buscaban una mayor variedad de tintes que en el pasado. Sin embargo, estos nuevos colores son más delicados y no soportan el calor. Por lo tanto, la pintura se realizaba después de la cocción, contrariamente a la práctica tradicional. La fragilidad de los pigmentos impedía el uso frecuente de estos jarrones, que se reservaban para los funerales. Los ejemplares más representativos de este estilo proceden de Centuripe, en Sicilia, donde hubo un taller activo hasta el siglo III a.C. Estos vasos se caracterizan por una base pintada de color rosa. Las figuras, a menudo femeninas, están representadas con ropas de colores: chitón azul-violeta, himatión amarillo, velo blanco. El estilo recuerda al de Pompeya y se sitúa mucho más en el lado de las grandes pinturas contemporáneas que en la herencia de la cerámica de figuras rojas.

 
Lagynos decorados con instrumentos musicales, 150100 ‑a.C., el Louvre  

Artes menores

Arte metálico

Los avances en la fundición del bronce permitieron a los griegos crear obras de gran tamaño, como el Coloso de Rodas, con una altura de 32 metros. Muchas de las grandes estatuas de bronce se perdieron, y la mayoría se fundieron para recuperar el material. Por ello, sólo se conservan los objetos más pequeños. Afortunadamente, durante la Grecia helenística, las materias primas eran abundantes tras las conquistas orientales.

El trabajo en vasos de metal adquirió una nueva plenitud: los artistas competían entre sí con gran virtuosismo. En Panagyurishte (ahora en Bulgaria), se han encontrado vasos de oro hábilmente esculpidos: en un ánfora, dos centauros encabritados forman las asas. En Derveni, no lejos de Salónica, una tumba ha proporcionado una gran crátera con volutas de bronce que data aproximadamente del año 320 a.C. y pesa 40 kilogramos (crátera de Derveni). Está decorada con un friso de 32 centímetros de altura con figuras en relieve que representan a Dioniso rodeado por Ariadna y su cortejo de sátiros y ménades. El cuello está decorado con motivos ornamentales, mientras que cuatro sátiros en altorrelieve están casualmente sentados sobre los hombros del vaso. La evolución es similar para el arte de la joyería. Los joyeros de la época destacaban en el manejo de detalles y filigranas: así, las coronas funerarias presentan hojas de árboles o tallos de trigo muy realistas. En este periodo floreció el engaste de piedras preciosas.

Las figuritas estaban igualmente de moda. Representaban tanto a divinidades como a temas de la vida contemporánea. Así surgió el tema del "negro", sobre todo en el Egipto ptolemaico: estas estatuillas de adolescentes negros tuvieron éxito hasta la época romana. A veces, se reducían a hacerse eco de una forma de las grandes esculturas: así se encuentran numerosas copias en miniatura de la Tyche (buena suerte) de Antioquía, cuyo original data de principios del siglo III a.C.

Figuras de terracota

Anteriormente reservada para el uso religioso, en la Grecia helenística la figurilla griega de terracota se utilizaba con más frecuencia para fines funerarios, e incluso decorativos. El refinamiento de las técnicas de moldeado permitió crear verdaderas estatuas en miniatura, con un alto nivel de detalle.

En Tanagra, en Beocia, las figurillas, llenas de vivos colores, representan con mayor frecuencia a elegantes mujeres en escenas llenas de encanto. En Esmirna, en Asia Menor, coexisten dos grandes estilos: en primer lugar, las copias de obras maestras de la gran escultura, como el Hércules Farnesio en terracota dorada. En un género completamente diferente, están los "grotescos", que contrastan violentamente con los cánones de la "belleza griega": el koroplathos (figurinista) modela cuerpos deformes en poses tortuosas - jorobados, epilépticos, hidrocefálicos, mujeres obesas, etc. Por tanto, cabe preguntarse si se trata de modelos médicos, ya que la ciudad de Esmirna tiene fama de tener una escuela de medicina. O podrían ser simplemente caricaturas, diseñadas para provocar la risa. Los "grotescos" son igualmente comunes en Tarso y también en Alejandría.

Arte del vidrio y glíptica

Fue en el periodo helenístico cuando los griegos, que hasta entonces sólo conocían el vidrio moldeado, descubrieron la técnica del soplado de vidrio, permitiendo así nuevas formas. El arte del vidrio se desarrolló especialmente en Italia. El vidrio moldeado continuó, sobre todo en la creación de joyas calcográficas.

El arte del grabado en las gemas apenas avanzó, limitándose a artículos producidos en serie que carecían de originalidad. Como compensación, hizo su aparición el camafeo. Se trata de un corte en relieve sobre una piedra compuesta por varias capas de color, lo que permite presentar el objeto en relieve a través de los efectos del color. Después se monta en un colgante o como anillo. El periodo helenístico produjo algunas obras maestras como el camafeo Gonzaga Archivado el 2009-04-02 en la Wayback Machine, ahora conservado en el Museo del Hermitage.

 
Mujer obesa sosteniendo una jarra de vino, Kertch, segunda mitad del siglo IV a.C., Louvre  


Elementos de una corona funeraria, siglo III de nuestra era, Louvre  

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